Как устроен симфонический оркестр и как превратить концерт в перформанс
Вместе с фестивалем SOUND UP выясняем, когда в музыке появились симфонические оркестры и что в них менялось со временем, как исполнять произведения с дирижером и без него, как рассадить на сцене сотню музыкантов и почему оркестр важно слушать вживую
Новый перформанс SOUND UP: inside the orchestra предлагает взглянуть на симфонический оркестр с неожиданной стороны. 14 декабря слушатели смогут понаблюдать за репетиционным процессом музыкантов и буквально попасть внутрь партитуры композитора Ильи Демуцкого. Начать погружение в историю симфонического оркестра и узнать о том, как он выглядит сегодня, предлагает музыкальный журналист Ирина Севастьянова.
Новый перформанс SOUND UP: inside the orchestra предлагает взглянуть на симфонический оркестр с неожиданной стороны. 14 декабря слушатели смогут понаблюдать за репетиционным процессом музыкантов и буквально попасть внутрь партитуры композитора Ильи Демуцкого. Начать погружение в историю симфонического оркестра и узнать о том, как он выглядит сегодня, предлагает музыкальный журналист Ирина Севастьянова.
Симфонический оркестр — первое, что приходит в голову при словосочетании «академическая музыка». Это монументально, возвышенно и престижно, поэтому все поп- и рок-звезды на пике карьеры обязательно делают симфонический концерт. Симфонии — это произведения для большого состава инструментов. В этом жанре отражаются наиболее важные для композиторов идеи и концепции, и в основе формы заложены классические философские принципы: тезиса и антитезиса, единства и борьбы противоположностей. Драматургия симфоний часто устроена по принципу контраста: трагические образы чередуются с лирическими, сменяются темпы, уровни громкости и другие музыкальные параметры.
В музыкальную практику симфонические оркестры прочно вошли только во второй половине XVIII века, во времена Гайдна, Моцарта и Бетховена. Тогда инструментальные концерты больших составов были роскошью, доступной лишь небольшой прослойке общества. При дворах существовали оркестры, которые возглавлялись капельмейстерами, — кураторами всех музыкальных событий. Эта должность считалась наивысшей точкой в карьере музыканта. Моцарт мечтал о ней, но так и не успел получить, а вот его мнимый соперник — Сальери — в этой сфере преуспел, как никакой другой композитор своего времени.
Произведения тех лет преимущественно писались для оркестра в среднем с 40 участниками: струнными (скрипками, альтами, виолончелями, контрабасами), деревянными духовыми (флейтами, гобоями, кларнетами, фаготами), медными духовыми (валторнами и трубами) и ударными (литавры). Примерно такое же деление на группы сохраняется и сегодня, разница состоит лишь в том, что количество духовых и ударных инструментов увеличилось.
В XIX веке параллельно с симфониями развивались и другие жанры: оркестровые поэмы, фантазии и увертюры. В них композиторы часто делали отсылки к литературным произведениям или придумывали собственные сюжеты. Значительно усложнились и оркестровые партии в операх и балетах, а некоторые эпизоды из театральных сочинений стали, набрав популярность, исполняться отдельно в концертах. «Полет валькирий» или музыка из «Щелкунчика» — самостоятельные симфонические произведения, живущие уже независимо от оперы и балета и до сих пор вызывающие восторг у многих слушателей.
Какой бывает рассадка
Уже в XVIII веке композиторы стали выводить идеальную формулу рассадки музыкантов во время исполнения. Медные духовые обычно помещают в глубине сцены, потому что они звучат значительно громче остальных. На переднем плане всегда оказываются струнные, и их в оркестре больше всего. Их мягкие тембры придают звучанию объемности. По центру обычно сидят деревянные духовые. Именно такая рассадка позволяет добиться эффекта стерео даже без электронных вмешательств.