Импрессионисты в Москве: от Моне до Пикассо
Как за час в столице посмотреть легендарные картины
Чтобы познакомиться с историей импрессионизма и постимпрессионизма, вовсе не обязательно отправляться в путешествие по музеям Франции — родины этих течений. Достаточно зайти в Галерею искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков, особый отдел ГМИИ имени А.С. Пушкина, где собраны оригиналы лучших работ легендарных мастеров: Пьера Ренуара, Клода Моне, Винсента Ван Гога и других. «Культура.РФ» составила путеводитель по импрессионизму, который поможет вам узнать самое важное о нем, даже если времени совсем мало.
«Культура.РФ» рекомендует: установите приложение Артефакт перед посещением музея.
История масштабного собрания импрессионистов в Москве началась на рубеже XIX и ХХ столетий, когда коллекционеры Сергей Щукин и Иван Морозов познакомились с новым искусством Франции, начали покупать лучшие картины и перевозить их в Москву. Они олицетворяли два подхода к собирательству импрессионизма: Щукин — яркий, экспрессивный, экспансивный, эмоциональный; Морозов — вдумчивый, фундаментальный, неторопливый. А их приобретения, дополняя друг друга, соединились в коллекции, которую можно назвать энциклопедией импрессионизма.
Работа представляет поздний период творчества Эдгара Дега. Пожилой художник терял зрение, но продолжал творческий поиск, работал в основном большими цветовыми пятнами. Танцовщиц для этой работы Дега писал не с натуры, а по фотографиям: художник снимал позировавших девушек в своей мастерской и затем, порой совмещая фотоотпечатки или даже просматривая их на свет, составлял целостную композицию, которую и переносил на картон.
Сергей Щукин приобрел «Голубых танцовщиц» вскоре после того, как Дега завершил работу над картиной: он хотел включить эту художественную новинку в свой личный зал импрессионистов, в котором на тот момент доминировал Клод Моне. Щукину работу прислал известный арт-дилер, галерист Поль Дюран-Рюэль, и получил от московского коллекционера письмо с просьбой заменить раму. Дескать, оригинальная рама в стиле Людовика XVI не сочеталась с оформлением щукинского зала, и коллекционер просил заменить ее на раму в духе Людовика XV. Дюран-Рюэль заказ выполнил, и сегодня «Голубые танцовщицы» выставлены в ГМИИ именно в той раме, которую заказал Сергей Щукин, — как и остальные работы из коллекций Щукина и Морозова: музейные сотрудники сохранили подлинные рамы всех картин собрания.
«Обнаженной» Пьера Ренуара критики восхищались еще в конце XIX века. Ренуара называли «живописцем женщины», и, будучи импрессионистом, своих моделей он писал не в абстрактном свете, а в реальных интерьерах реальной эпохи. Его «Обнаженная» сначала шокировала публику необычным для того времени цветом тела: естественными синеватыми и зеленоватыми тенями, которые характерны для натурального освещения, но никак не для классического искусства. Однако очень быстро ценители живописи разглядели в этом непривычном изображении талант Ренуара в частности и правду импрессионизма в целом.
Первым владельцем этой картины был Поль Дюран-Рюэль, и находилась она не в его парижской галерее на углу улицы Лафитт, а в личных апартаментах арт-дилера на улице Ром. Там царила атмосфера приватности, эксклюзивности; Дюран-Рюэль выставлял в апартаментах работы, будто бы не предназначенные для продажи, — однако это был ловкий ход галериста, который помогал ему повышать цены на особые предметы искусства для частных клиентов.
Именно там картину Ренуара впервые увидел Сергей Щукин. Тогда он был лишь начинающим коллекционером и покупал картины вместе с братом Петром. Дюран-Рюэль пригласил щедрых и многообещающих клиентов из России в свои апартаменты, однако «Обнаженную» продавать им отказался. Но Петр Щукин, буквально влюбившийся в эту прекрасную француженку, все же уговорил галериста и увез картину в Россию, отдав за нее не один десяток тысяч франков. Поначалу «Обнаженная» висела в приватной части его апартаментов вместе с другими любимыми картинами Щукина и не демонстрировалась публике. Но в 1912 году купец разорился и был вынужден расстаться со многими произведениями — и полотно Ренуара купил у брата Сергей Щукин. Так «Обнаженная» стала экспонатом его открытой галереи и больше никогда не попадала в «заточение».
Эта картина Клода Моне экспонировалась на той самой выставке «Анонимного общества живописцев, скульпторов и граверов» 1874 года, во время которой импрессионисты и получили свое имя. На холсте Моне изобразил вид из окна фотоателье Надара в доме № 35 на бульваре Капуцинок, где и проходила первая выставка «впечатленцев», и тем самым бросил публике своеобразный художественный вызов: посетители экспозиции могли сравнить видение художника с реальным миром. И сравнение это оказалось не в пользу Моне: ни зрители, ни критики не были знакомы с такой смелой живописной манерой и не смогли по достоинству оценить работу мастера. Однако картина запомнилась и прославилась, и в 1909 году на одном из парижских аукционов, где ее и заприметил Иван Морозов, «Бульвар Капуцинок в Париже» продавался за значительную сумму как общепризнанный шедевр.
Морозов, возможно, купил «Бульвар» из сантиментов: на картину попало и здание Гранд-Отеля, где коллекционер неизменно останавливался во время каждой поездки в Париж. Полотно Моне всегда напоминало ему о месте, которое он действительно любил.
Поль Сезанн был художником-философом, и в работе «Пьеро и Арлекин» — мощной, масштабной — он отразил собственные размышления над дуализмом человеческих характеров. На холсте разворачивается извечный спор двух темпераментов: меланхоличного, мечтательного Пьеро и агрессивного, в чем-то демонического Арлекина. А сочетание разных геометрических форм вносит в изображение особую гипнотическую динамику, которую можно рассматривать бесконечно. Сезанн создавал эту работу в тиши своей мастерской, в таинственной атмосфере, а позировали ему сын художника Поль и его друг Луи Гийом.
Мир узнал Сезанна в начале ХХ столетия, и интерес к его творчеству у русских коллекционеров возник на этой же волне. «Пьеро и Арлекина» приобрел в 1904 году Сергей Щукин и привез картину в столицу, где она заворожила многих художников. Острый на язык Валентин Серов называл персонажей картины «деревянными болванами», однако, как он признавался, эти образы действительно зацепили его, заставляли вновь и вновь размышлять над ними. Серов часто приводил Сезанна в пример своим ученикам из Московского училища живописи, ваяния и зодчества, и под влиянием философии французского мастера родился так называемый «русский сезаннизм».
«Пейзаж в Овере» Винсент Ван Гог написал в июле 1890 года, за несколько недель до своей трагической гибели. На нем изображена часть тех самых полей, где живописец выстрелил себе в грудь из револьвера — и это ранение стало для него смертельным.
Картин Ван Гога в московских собраниях Щукина и Морозова было не так много. Для этих коллекционеров он никогда не был центральной фигурой экспозиции, а его работы лишь дополняли более важные для них произведения. У такого отношения к безумно популярному в наши дни художнику было несколько причин. Во-первых, оба коллекционера начали «собирательную» деятельность уже после всплеска интереса к творчеству Ван Гога в 1890-х годах, во многом вызванного смертью художника. Во-вторых, в начале ХХ века абсолютное большинство работ мастера принадлежало его семье, так как сам Ван Гог за свою жизнь сумел продать лишь одну картину — «Красные виноградники в Арле», — которая также находится в коллекции ГМИИ. А наследники живописца расставалась с его наследием очень и очень неохотно, и у галеристов в Европе было мало картин Ван Гога на продажу.
Однако «Пейзаж в Овере» Ивану Морозову заполучить удалось. Он был человеком размеренного, спокойного темперамента и очень любил такие же «тихие» пейзажи: горизонтальные, спокойного сюжета, в зеленоватых тонах. И картина Ван Гога как раз пришлась ему по вкусу, а история ее создания не оставила коллекционера равнодушным.
В статус королевы Поль Гоген возвел собственную возлюбленную, его таитянскую жену. Однако эта картина была не просто ее портретом, а соединением различных мифов и сюжетов, в том числе религиозных: так, на холсте рядом с красавицей изображены древо познания добра и зла, беседующие старцы и змей-искуситель. Фигура же самой женщины, ее поза отсылают к «Олимпии» Эдуарда Мане и «Венере Урбинской» Тициана. В видении Гогена она и искусительница, и обольстительница, и искупающая жертва одновременно.
В Париже Поля Гогена по-настоящему узнали уже после того, как на далеких островах в Тихом океане завершилась его жизнь. Чтобы любоваться его экзотическими работами, ценители искусства стекались к коллекционеру и знатоку его творчества Гюставу Файе. К нему обратился в 1908 году и всерьез увлекшийся Гогеном Сергей Щукин. Для коллекционера середина первого десятилетия ХХ века оказалась крайне сложным временем: Щукин год за годом терял близких людей, а первая русская революция и последовавшие за ней общественные волнения только усугубили его душевное состояние. Именно в это время его поразил талант Поля Гогена, его тропические грезы — и композиция художника, которую Щукин создал в своем доме, имела для него особое духовное значение. Современники коллекционера даже прозвали ее «иконостасом». Щукин мечтал заполучить «Жену короля» для своего «иконостаса», однако предложение о покупке работы сделал Файе не сразу: долго консультировался с французским коллекционером, который не хотел так просто уступать ему картину, присматривался к полотну и в итоге приобрел его за целых 30 тысяч франков. Сам Файе позже признавался, что на приобретение всех картин из его собрания Поля Гогена он не потратил столько, сколько «этот русский» заплатил ему лишь за «Жену короля».
20-й зал галереи — самый крупный, репрезентативный, сохранивший частичку подлинной атмосферы особняка Сергея Щукина: его для коллекционера в свое время оформил лично Анри Матисс. Художник долгое время мечтал о покровителе, который бы позволил ему, мастеру французского авангарда, украсить монументальными картинами стены своего дома — и такой покровитель нашелся в заснеженной России. Во время совместной работы над особняком художник и коллекционер сблизились, крепко подружились, и в итоге Матисс стал писать картины специально под определенные места в щукинском доме.
Весной 1912 года Матисс вернулся из Северной Африки, откуда привез образ красных рыбок, движущихся в замкнутом пространстве, как олицетворение медитации, сосредоточенности сознания. Искусство и философия Востока в то время были важной темой для Матисса, он хотел осмыслить полученный в поездке опыт неспешно, вести диалог с написанными под вдохновениями от нее картинами долгое время — но летом к нему в гости приехал Сергей Щукин. И, увидев «Красных рыбок», уже не мог с ними расстаться, увез картину в Москву, а вскоре еще и попросил написать к ней пару — настолько работа ему полюбилась. Матисс был не в восторге от того, что ему пришлось так быстро расстаться с полотном, но отказать другу не мог.
«Субботний день» Андре Дерен написал в свой так называемый «готический» период. Творческий поиск художника на этом этапе развивался в сторону работы с традицией: Дерен хотел вновь постичь секреты искусства раннего Ренессанса и французских средневековых миниатюристов, соединить эти опыты с готическим искусством, искусством Древнего Востока, Африки — и создать из своих произведений своеобразную энциклопедию традиционного искусства, осмысленного сквозь призму авангарда.
В основе «Субботнего дня» лежит, на первый взгляд, обыденный сюжет: сидящие за столом женщины. Однако их деформированные пропорции, застывшие в напряжении позы и напоминающие ритуальные маски лица явно отсылают к мотивам и образам духовной и церковной живописи прошлых столетий.
Изначально у картины Дерена не было названия, однако его друг, поэт Гийом Аполлинер, как и многие другие зрители ощутивший сильное сакральное настроение полотна, дал этой работе немного ироничное название «Субботний день», возможно подразумевая под ним Страстную субботу, — и так прославил Андре Дерена как нового «готика» ХХ века.
Дерен стал одним из последних художников, которых начал поддерживать Сергей Щукин. Скорее всего, коллекционер познакомился с его работами в галерее Даниеля Анри Канвейлера, весьма авангардного и смелого парижского арт-дилера, который стал внедрять оригинальные способы привлечения внимания к новому на тот момент искусству. Он создал не просто постоянную клиентуру своей галереи, а настоящий интеллектуальный клуб, куда входили коллекционеры и ценители из самых разных стран — в том числе и Сергей Щукин. И Канвейлер с превеликим удовольствием помогал интернациональной компании ориентироваться во французском авангарде и снимать с него сливки стоящих новинок.
Картина «Девочка на шаре» относится к «розовому» периоду творчества Пикассо, когда тональность его живописи стала мягче, а почти монохромную синюю гамму работ разбавили новые розовато-пепельные оттенки. И эта работа, пожалуй, полнее других отражала смысл творчества юного Пикассо, размышлявшего о судьбе человека искусства. В изящной и хрупкой, почти невесомой фигуре девочки воплотились мечта художника о поэзии, его видение мимолетности прекрасного, а мощный атлет стал словно защитником прекрасного и возвышенного от грубой реальности.
Одними из главных популяризаторов творчества Пабло Пикассо в Париже были писательница Гертруда Стайн и ее брат Лео. Они скупали произведения молодых художников за небольшие деньги и выставляли их в своей квартире на улице Флёрюс, которая была неформальной и постоянно обновлявшейся выставкой нового искусства. Многие картины там не задерживались: их быстро приобретали коллекционеры, но были в собрании Стайнов и «бессменные» жемчужины — в том числе и «Девочка на шаре», купленная братом и сестрой у самого Пикассо. В 1913 году Стайны решили переехать и расстались с частью коллекции: так «Девочка» отправилась в галерею Даниеля Анри Канвейлера. Там ее и купил Иван Морозов, давно выжидавший случая приобрести картину, с которой ранее Стайны очень не хотели расставаться. Это была крупная, серьезная и известная работа — и коллекционер не мог упустить такой шанс. «Девочкой на шаре» Морозов завершил свою коллекцию Пикассо из трех его произведений, каждое из которых было знаковым для разных периодов творчества художника.
Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке спецпроекта Алексея Петухова, старшего научного сотрудника ГМИИ имени А.С. Пушкина
Главное изображение: Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Москва
Хочешь стать одним из более 100 000 пользователей, кто регулярно использует kiozk для получения новых знаний?
Не упусти главного с нашим telegram-каналом: https://kiozk.ru/s/voyrl