История неофициального советского искусства в лицах: 10 важных художников-нонконформистов, создававших новых визуальный язык
В Русском музее открылась выставка «Параллельные вселенные. От абстракции к артефакту», в которой представлены работы знаковых художников и мастеров второй половины ХХ века из собрания Наталии Опалевой, известного коллекционера и генерального директора Музея AZ (Анатолия Зверева).
Тех художников, которых собирает Опалева, принято называть неофициальным советским искусством или нонконформистами — не работавших в единственно идеологически приемлемом в Советском Союзе направлении социального реализма. Они не могли показать свои работы на официальных выставках — и не могли зарабатывать искусством как своей основной профессией, зачастую подвергаясь цензуре и критике. Нонконформисты работали в разных стилях — это мог быть и абстракционизм, и фигуративное искусство, и концептуализм, — объединялись в разные группы, однако в их жизнях и творчестве так или иначе находят отклик одни и те же события: Всемирный фестиваль молодежи и студентов, где было показано Западное искусство, Оттепель в целом, раскритикованная Хрущевым выставка в Манеже 1962 года, разогнанные властями Бульдозерная и Измайловская выставки в 1974 году.
По случаю открытия выставки «Правила жизни» поговорили с Наталией Опалевой об эпохе оттепели, а также попросили рассказать о знаковых произведениях, которые теперь с гордостью показывает Русский музей.
Наталия Опалева
Коллекционер, создатель и генеральный директор Музея AZ
Довольно редко случается, что первая купленная работа определяет судьбу. У меня именно так и произошло: женский портрет кисти Анатолия Зверева, а также его «Николина гора» круто изменили мою жизнь, наполнив ее искусством и интересным общением, а в итоге привели к созданию Музея AZ. Поначалу это было просто увлечение, хобби, которое довольно быстро переросло в азартное коллекционирование. Осознание, что собрана серьезная коллекция, пришло намного позже, с началом активной деятельности нашего музея на других площадках, когда, помимо Анатолия Зверева, мы стали показывать творчество других художников-шестидесятников.
Эпоха оттепели представляется мне очень интересным временем, когда общее движение к свободе вдохновило многих представителей творческих профессий, не только художников, на поиски нового выразительного языка. Андрей Волконский, Николай Каретников, Альфред Шнитке и другие композиторы пишут авангардную музыку, создаются новые театры и новая поэзия, Андрей Тарковский снимает «Иваново детство» и «Андрея Рублева»... Художники не отстают, они тоже страстно и азартно ищут новый художественный язык, максимально удаленный от насаждаемого соцреализма, и чаще всего этот поиск приводит их к абстракции. Интерес к этому историческому периоду, довольно короткому по времени, и определил фокус моей коллекции.
Коллекция должна жить и развиваться, иначе она умирает. Каждое новое поколение художников берет что-то от предыдущего времени и идет дальше. Мне интересно современное искусство, оно очень разнообразно, и сами границы понятия современного искусства стали намного шире. Поэтому, продолжая отслеживать появление редких и интересных работ периода второй половины ХХ века, я активно наблюдаю и современных мне художников.
Эрик Булатов
1933
Эрик Булатов занимает второе место (после Ильи Кабакова) в рейтинге самых дорогих художников России. Его часто считают основоположником направления соц-арт за смешение образов советской реальности, лозунгов, деталей ландшафта, однако сам художник категорически это отрицает: слово (или любая помеха) и изображение для него лишь материал для исследования возможностей живописи, перспективы, взаимосвязи пространства и плоскости. На картине они сталкиваются друг с другом: слово может не пускать зрителя в картину, а может стать связующим звеном между ними. Одно из главных слов и понятий в работах Эрика Булатова — свобода.
Как и другие фигуры московского нонконформизма, в советское время он не мог показывать свои работы и зарабатывал на жизнь иллюстрацией детских книг. С 1989 года живет и работает в Нью-Йорке, с 1992 года — в Париже. В последние годы создает масштабные инсталляции, которые художник рассматривает как продолжение своих живописных исследований: 18-метровая скульптура «Вперед» на бывшем военном заводе на юге Франции, семиметровая скульптура «Все не так страшно», 2,5 тыс. м2 — мурал в Выксе
«Сосна», 1964
«Эрик Булатов всю жизнь работал над идеей пластичности пространства — он изгибал, искривлял его, как лист бумаги. На этой картине в центре сияющего ореола возникает сложная и подвижная пластическая фигура, которая, согласно названию, должна была бы изображать крону сосны. Но Булатов писал не натурный мотив — для него было важно дать почувствовать зрителю беспокойное, подвижное состояние мира и многослойность его строения».
Олег Васильев
1931-2013
На Западе имя Олега Васильева стоит в одном ряду с Кабаковым и Булатовым, близкими друзьями и соратниками художника, с которыми тот учился в Суриковке. С Булатовым Васильев делил мастерскую на Чистых прудах и занимался оформлением детских книг, самые известные из которых — «Золушка» и «Кот в сапогах» Шарля Перро и «Дикие лебеди» Ганса Христиана Андерсена. Не причислял себя к концептуалистам. Активно хотел вступить в Союз художников (получилось в 1967 году) и выставить свои работы, что получилось единожды — в кафе «Синяя птица». C 1990 года жил и работал в США, где успешно продавал свои произведения.
Главная тема поэтичных и фотореалистических работ художника — память. В его картинах максимально сближаются объективная реальность и внутренние переживания. Сам Олег Васильев писал: «Настоящее наполнено прошлым, как живая губка водой: через работу памяти свет идет из прошлого и выделяет, высвечивает из мрака то, что не принадлежит минуте».
«Автопортрет», 1992
«Для Олега Васильева основной темой был поиск белого цвета в живописи. На его картинах белый цвет создает особое излучение, превращаясь в свет. В живописное поле холста Олег Васильев внедряет структурирующие плоскости, нагнетает световое давление, создавая «высокие и глубокие пространства».